Intervista con Michalis Goumas

1. Puoi raccontarci un po’ come sei diventato artista?

Ho iniziato con la pittura. È stato il mio primo modo di capire il mondo – attraverso la trama, il ritmo e il tono piuttosto che con le parole. La fotografia è arrivata dopo, non come un cambiamento ma come un’espansione. Non avevo mai pianificato di diventare fotografo; ho preso la macchina fotografica quando i momenti mi sembravano troppo fugaci per la pittura. Non mi interessava la padronanza tecnica o la perfezione costruita. Mi attirava ciò che era istintivo: come la luce si muoveva sulla pelle, come rimaneva il sale, come un gesto custodiva un’emozione.

La mia prima esplorazione seria è stata Summer Renaissance. Non si trattava di un concetto, ma di una risposta – ai corpi in movimento, all’acqua e alla quiete, a come la presenza possa parlare prima del linguaggio. Non ho mai visto pittura e fotografia come pratiche separate. La pittura mi ha insegnato disciplina e pazienza. La fotografia mi ha dato immediatezza. Insieme formano il linguaggio in cui ho più fiducia.

Non penso in termini di etichette. Mi vedo come qualcuno che osserva e cerca di trattenere ciò che altrimenti scivolerebbe via. Se qualcosa mi smuove – se sembra vissuto, non costruito – lo seguo.

2. Raccontaci qualcosa delle tue immagini. Qual è il tuo interesse speciale? Come scegli colori, composizione, temi, ecc.?

Foto: Michalis Goumas - Il motivo è stampato su carta Hahnemühle Photo Rag Ultra Smooth stampa Fine Art. La sua superficie vellutata e la finitura opaca conferiscono al motivo un effetto particolarmente armonioso. La cornice passepartout conferisce allo stesso tempo leggerezza e profondità.

Ciò che mi attira è ciò che sta appena sotto la superficie – la corrente emotiva di una scena. Spesso comincio dall’atmosfera: il calore della pietra, la quiete tra i gesti, l’eco di un movimento appena passato. Voglio che l’osservatore non solo veda l’immagine, ma la senta.

Lavoro con la luce e i colori naturali. La mia tavolozza è plasmata dall’ambiente – terra polverosa, blu egei, grigi delicati. Evito la manipolazione pesante; lascio che le imperfezioni diano tono. A livello compositivo tendo verso l’apertura e l’asimmetria – spazi in cui possa emergere qualcosa di silenzioso.

Temi ricorrenti – il corpo maschile, il mare, la solitudine – non sono pianificati. Tornano perché riflettono il mio ambiente e il mio modo di guardare. Non costruisco narrazioni; noto. Il corpo, per me, non è simbolico. È un terreno – vulnerabile, mutevole e reale.

3. Il tuo lavoro è noto per i dettagli eccezionali e le composizioni. Come catturi i momenti per raggiungere quella profondità emotiva unica?

Tutto comincia dall’essere pienamente presente – non solo come artista, ma come persona. Non corro a scattare. Aspetto. Osservo, finché prende forma qualcosa che va oltre l’estetica. Ciò che mi attira è il momento prima della consapevolezza – il lampo prima di uno sguardo, il respiro prima di un gesto.

Quella profondità non nasce dal controllo. Nasce dalla fiducia. Dirigo raramente. Posso iniziare con un suggerimento, ma poi faccio un passo indietro. Aspetto che emerga qualcosa di autentico.

Tecnicamente mantengo le cose semplici: luce naturale, un obiettivo fisso. Ma non si tratta dell’attrezzatura. Si tratta dell’intuizione – sapere quando non scattare. Alcune delle mie immagini più potenti sono nate quando la sessione era, teoricamente, già finita. Spesso arriva un’onestà particolare quando le aspettative svaniscono.

4. Il tuo portfolio mostra una grande varietà di temi e prospettive. Come scegli le storie che vuoi raccontare e cosa ti ispira a catturarle?

Foto: Michalis Goumas - La caratteristica lucentezza perlata della carta Hahnemühle FineArt rafforza l’espressività della fotografia subacquea. La cornice con giunto a vista Basilea in rovere nero conferisce al soggetto una cornice chiara ed elegante.

Non parto dalle storie. Parto dall’attenzione. Mi colloco in uno spazio – una stanza silenziosa, un sentiero ombreggiato, un tratto di costa – e rimango aperto. Quello che aspetto non è una narrazione, ma un sentimento. Un tono. Un cambiamento nell’aria. Da lì, il resto si sviluppa naturalmente.

Alcuni temi tornano – intimità, quiete, il mare – non per scelta, ma perché risuonano dentro di me. Guardo i piccoli gesti: come qualcuno lascia cadere la mano, come l’acqua aderisce alla pelle, il peso silenzioso di uno sguardo. Queste cose aprono uno spazio emotivo.

A volte faccio schizzi in anticipo – un’impressione che voglio trattenere – ma quando sono nel momento lascio dissolvere il piano. Ciò che conta è la sensibilità: permettere a qualcuno di esistere senza costringerlo nell’immagine. È nello spazio tra consapevolezza e istinto che tutto comincia.

5. La tua serie subacquea è ispirata ai dipinti rinascimentali. Come ti è venuta l’idea e quali sfide ha comportato?

Sono sempre stato attratto dall’equilibrio e dalla quiete delle figure rinascimentali – il loro senso di sospensione tra movimento e contenimento. Quando ho iniziato a fotografare sott’acqua, ho percepito subito la stessa qualità. L’acqua cambia tutto: rallenta il corpo, piega la luce, dissolve il peso. Il risultato sembrava senza tempo – come entrare in un affresco in movimento.

All’inizio cercavo di dirigere le scene. Portavo schizzi e riferimenti. Ma il mare non segue le istruzioni. Ho dovuto lasciar andare. Quando l’ho fatto, le immagini sono diventate più libere, più vere. L’acqua dettava il proprio ritmo. La galleggiabilità modellava la posa. La luce diventava imprevedibile, e quell’imprevedibilità aggiungeva profondità.

Ovviamente ci sono state difficoltà: il controllo del respiro, la calma, la fiducia con qualcuno in una condizione vulnerabile. Ma proprio quei limiti hanno aiutato. Hanno creato una vicinanza che è entrata nell’immagine. Sott’acqua non puoi fingere nulla. Ogni movimento conta. Ogni increspatura racconta.

6. Molti fotografi parlano dell’importanza del “momento giusto”. C’è un momento o un incontro che consideri una svolta nella tua carriera o nel tuo sviluppo artistico?

Sì – ma è stato silenzioso, quasi dimenticabile. Camminavo da solo vicino a una cala dell’isola, senza macchina fotografica. La luce era morbida, il mare calmo, e il tempo sembrava sospeso. Non è successo nulla di particolare. Ma qualcosa si è assestato dentro di me.

Fino a quel punto cercavo di “fare” l’immagine. Quel giorno ho capito che non era necessario. Dovevo notare. I momenti più significativi non si annunciano. Chiedono di essere accolti, non catturati. Quel passaggio – dallo sforzo alla consapevolezza – ha cambiato il mio lavoro.

Da allora interferisco di meno. Ascolto di più. Non ho bisogno di spiegare l’immagine se porta con sé un sentimento. Quel piccolo momento non ha prodotto una fotografia – ma ha cambiato il mio modo di vedere. E quello, per me, è stato il vero punto di svolta.

7. Hai scelto materiali specifici per mostrare il tuo lavoro. Quali materiali e formati usi e perché?

Foto: Michalis Goumas - La stampa fotografica dietro il plexiglass garantisce colori intensi e un effetto di profondità impressionante. Grazie alla laminazione senza cornice, il grande formato appare quasi senza peso.

Scelgo materiali che riflettano il tono di ogni opera. Per le mie fotografie uso vetro acrilico e carta fine art. L’acrilico esalta chiarezza e profondità, soprattutto nel lavoro subacqueo. Conferisce all’immagine una qualità luminosa. La carta fine art, invece, ammorbidisce l’atmosfera. Assorbe la luce e si adatta a scene più meditative.

I miei dipinti li lascio come sono – olio su tela. Il materiale custodisce la storia. Non è qualcosa che cerco di riprodurre. Ogni scelta dipende da ciò che meglio conserva la presenza dell’opera.

8. Produci le tue stampe fotografiche tramite WhiteWall. Perché hai scelto questa piattaforma e come sostiene il tuo processo artistico?

WhiteWall offre la coerenza di cui ho bisogno quando condivido il mio lavoro con collezionisti e clienti. Le loro stampe – su acrilico o carta fine art – rispettano il livello di dettaglio che voglio mantenere.

Ciò che aiuta di più è che posso restare concentrato sul processo creativo. Loro si occupano di stampa, imballaggio e consegna, mantenendo tutto semplice ed efficiente. Non devo gestire ogni passaggio, e il risultato è sempre all’altezza dello standard che mantengo in studio.

È diventata una parte pratica del mio modo di lavorare – silenziosa, affidabile e in linea con l’integrità che cerco di trasmettere nelle mie immagini.

9. Cosa dovremmo sapere ancora di te?

Sono Michalis Goumas. Vivo tra Atene e l’isola di Kythnos. Lavoro tra pittura e fotografia, e sono attratto dai momenti più silenziosi – quelli che chiedono quiete e attenzione.

L’ambiente plasma il mio sguardo: il vento secco, la pietra nuda, il peso della luce estiva. Mi muovo lentamente. Non inseguo l’immagine – la attendo. Produco stampe a tiratura limitata perché credo nell’arte tangibile – qualcosa con cui convivere.

Il mio lavoro è stato esposto in Grecia, negli Stati Uniti e presto in Belgio. Ma valuto più l’impatto silenzioso che la visibilità. Se un’immagine rimane con qualcuno – dolcemente, senza chiedere nulla – questo è ciò che conta per me. Non mi interessa lo spettacolo. Mi interessa la vicinanza. Questo è ciò che cerco di offrire.