Milena Schilling
"O R I G I O"

Milena, tu as photographié 45 personnes dans le lac de Constance – comment as-tu abordé cette collaboration très personnelle et intime avec les participant·e·s ? Au total, 45 personnes âgées de 18 à 73 ans ont participé. Le projet était ouvert à toutes celles et ceux qui se sentaient à l'aise dans l'eau (froide) et n'avaient aucun problème à être photographié·e·s nu·e·s dans cet environnement. Il était essentiel pour moi d'ouvrir ce projet à toutes les personnes intéressées, sans distinction de morphologie, d'âge, etc., car cela aurait contredit le message que je souhaitais transmettre. Au fil du projet et des séances photo, j'ai réalisé que, sous l'eau, toutes les personnes se ressemblent – on ne distingue souvent même pas le genre, encore moins l'âge, la silhouette ou les tatouages.​

Dans la série « O R I G I O », l'eau joue un rôle central – que représente cet élément pour toi, personnellement et artistiquement ? L'eau a toujours occupé une place importante dans ma vie. J'aime passer chaque moment libre au bord du lac et, chaque matin avant de travailler, je commence par une baignade. Lorsque j'ai pris conscience que notre corps est composé à 70-80 % d'eau et que nous passons les neuf premiers mois de notre vie dans un environnement aquatique, l'idée de ma série photographique « O R I G I O » est née. Le message de la série – « Nous passons tous les neuf premiers mois de notre vie dans l'eau. Là, nous sommes libres des constructions sociales et tous égaux » – souligne clairement que nous partageons tous le même origine et vise à nous en rappeler.​

Les images évoquent, par leur ambiance lumineuse et leur composition, l'art de la Renaissance. Comment t'es-tu préparée pour que cet effet puisse émerger dans l'eau ? Comment se déroulait une séance photo ? Ce projet a été globalement très exigeant et complexe. D'une part, j'ai tenté d'analyser et de comprendre le lac de Constance. Ceux qui y sont déjà allés savent à quel point il peut être trouble. Cependant, lorsque la température de l'eau descend en dessous de 12 degrés, elle devient plus claire – cela dépend ensuite de la direction du vent, de la dernière pluie, de la floraison des différentes algues et des nuages dans le ciel. Lorsque tous ces facteurs étaient réunis, une séance photo pouvait se dérouler comme je l'avais imaginé : une visibilité relativement claire dans le lac et une lumière douce et picturale. Souvent, je ne pouvais évaluer les conditions que la veille et devais tout planifier très spontanément. Dans mon carnet de croquis, je notais toujours précisément les compositions qui me venaient à l'esprit pour en discuter avec mes modèles. Nous répétions d'abord tout à terre et étudiions une chorégraphie. Au début, je partais dans le lac avec les modèles depuis le rivage, mais j'ai rapidement réalisé qu'il était préférable d'opérer depuis un bateau – j'ai donc passé un permis de navigation spécialement pour cela. Ainsi, en plus des modèles, j'organisais un bateau et une équipe, et après les répétitions à terre, nous partions sur le lac. Une fois les derniers détails discutés sur place, j'entrais la première dans l'eau pour chercher l'endroit idéal pour les photos. Une fois trouvé, mes modèles entraient dans l'eau et tout se déroulait très rapidement : chacun nageait jusqu'à sa position, le skipper à bord commençait à compter et la chorégraphie débutait. J'ai spécialement pratiqué l'apnée pour rester suffisamment longtemps sous l'eau et capturer le moment parfait lorsque mes modèles étaient dans la position finale. Pour des raisons techniques, je ne pouvais prendre qu'une seule photo par plongée – soit je rentrais chez moi avec une photo à la fin de la journée, soit non. Le temps consacré à une seule image pouvait souvent atteindre jusqu'à 9 heures, les modèles ne restant dans l'eau que 3 à 5 minutes en raison de la température. Ensuite, ils se réchauffaient immédiatement à bord. Le caractère pictural et originel est également souligné par le fait que les photos n'ont pas été retouchées. Toutes les images sont directement issues de l'appareil photo.​

La présentation physique des images modifie énormément leur impact. Quelles réflexions as-tu menées concernant le choix des formats, des matériaux et de l'accrochage ? Je travaille toujours de manière très conceptuelle et laisse peu de place au hasard. Je planifie tout de manière ciblée du début à la fin. Il était donc très important pour moi, dans ce projet, que le message soit clairement perceptible tant dans les photos que dans l'impression et jusqu'à l'accrochage. La série se compose de deux parties – une série au-dessus de l'eau en couleur et une série sous l'eau en noir et blanc. En raison du caractère pictural des photos en couleur, il m'est rapidement apparu que celles-ci avaient le plus d'impact en grand format et sans vitre. Le choix des cadres en caisse américaine s'est fait de manière très intuitive et rapide. La faible distance entre l'impression et le cadre en bois crée des parallèles avec les anciens tableaux de la Renaissance, et grâce à leur grande taille, jusqu'à 150x100 cm, les photos semblent véritablement peintes lorsqu'on se tient près d'elles. Lors de l'accrochage, un projecteur était dirigé vers le centre de chaque photo, ce qui les faisait encore plus rayonner et accentuait leur aspect pictural. Pour les photos en noir et blanc, en référence au processus de travail presque analogique des images et à la longue durée du projet, je souhaitais utiliser une ancienne technique d'impression analogique avec des noirs profonds. Les tirages barytés étaient parfaits pour cela ! Ils sont encadrés avec un passe-partout dans des cadres blancs, afin de restituer la légèreté et l'espace des motifs aux images plutôt sombres. La surface soyeuse des tirages rappelle l'eau et leur longue durabilité garantit une qualité muséale. Avec la galeriste Franziska Reichel, nous avons longuement réfléchi à l'accrochage des images. Il diffère fortement d'un accrochage classique ou habituel. Par exemple, le grand mur de la dernière salle reprend une forme de vague, évoquant ainsi la liberté dans l'eau et l'élément lui-même. Grâce aux différentes tailles des motifs, l'ensemble de l'accrochage paraît très léger et en apesanteur – tout comme les photos elles-mêmes.​

WhiteWall a produit l'exposition. Qu'as-tu ressenti en voyant pour la première fois ton univers sous-marin en tirages grand format – qu'est-ce que cela t'a fait ? Après trois années de travail acharné et glacé dans le lac, c'est incroyable de voir enfin les photos imprimées devant moi.Les grands tirages donnent vie aux images, et plus je les regarde, plus j'ai l'impression de voir les coups de pinceau, ce qui ne m'avait pas autant frappée à l'écran. Grâce au travail précis de WhiteWall et aux grands formats, les photos en couleur semblent vraiment peintes. Les tirages barytés offrent également une profondeur d'image et un noir intense qu'aucun écran ne peut restituer. Je dois avouer que, lors du déballage et surtout en voyant les images finies accrochées aux murs, quelques larmes ont coulé sur mes joues. Je suis particulièrement touchée lorsque, lors des visites guidées, des personnes viennent me demander si je n'ai vraiment rien peint ou retouché. Cela montre simplement que le concept fonctionne et qu'il faut vraiment penser à tout, du début à la fin, pour obtenir l'effet souhaité.​

Pour tous ceux qui photographient eux-mêmes : qu'as-tu appris de ce travail de projet intensif sur la présentation des photos – et que conseillerais-tu à ceux qui souhaitent tirer davantage de leurs images ? Je ne peux que me répéter par rapport à la question précédente : il est essentiel de réfléchir et d'intégrer l'intention et le message des photos de A à Z. De la première idée à l'accrochage final. Quiconque sait à chaque étape pourquoi il le fait et ce que cela doit provoquer chez le spectateur choisira intuitivement la bonne option. Mais si l'on néglige l'intention à un seul moment, cela sera visible pour tous. C'est pourquoi il faut rester fidèle à son concept et le suivre – y compris dans le choix de la présentation des images. Le bon tirage détermine finalement comment la photo est perçue par le spectateur et si elle transmet exactement ce que l'on souhaitait. Il peut renforcer le message et l'émotion de l'image ou lui enlever toute sa magie.​