Milena Schilling
"O R I G I O"

Milena, fotografiaste a 45 personas en el lago de Constanza: ¿cómo abordaste esta colaboración tan personal e íntima con los participantes? Participaron 45 personas de entre 18 y 73 años. El proyecto estaba abierto a todas las personas que se sintieran cómodas en el agua (fría) y no tuvieran inconveniente en ser fotografiadas desnudas bajo el agua. Para mí era muy importante abrir el proyecto a todos los interesados, sin distinguir entre tipos de cuerpo, edad, etc., ya que eso contradeciría mi mensaje. A lo largo del proyecto y de las sesiones fotográficas me di cuenta cada vez más de que bajo el agua todas las personas se ven iguales: muchas veces no se puede distinguir ni el sexo, ni la edad, ni la complexión física, ni los tatuajes.

En la serie “O R I G I O”, el agua juega un papel central. ¿Qué significa para ti este elemento, en lo personal y en lo artístico? El agua siempre ha tenido un papel importante en mi vida. Me encanta pasar cada momento libre en el lago, y cada mañana, antes de trabajar, nado un rato. Cuando me di cuenta de que los seres humanos estamos compuestos en un 70-80% por agua y que pasamos los primeros nueve meses de vida en el agua, nació la idea de mi serie fotográfica “O R I G I O”. El mensaje de la serie - “Todos pasamos los primeros nueve meses de nuestra vida en el agua. Allí estamos libres de constructos sociales y todos somos iguales” - muestra claramente que compartimos el mismo origen, y quiere hacernos más conscientes de ello.

Las imágenes recuerdan a obras del Renacimiento por la luz y la composición. ¿Cómo te preparaste para lograr ese efecto en el agua? ¿Cómo era una sesión? El proyecto fue en general muy exigente y complejo. Por un lado, traté de analizar y comprender el lago de Constanza. Quien haya estado alguna vez allí sabe lo turbia que puede ser el agua. Pero cuando baja de los 12 grados, se vuelve más clara. Entonces influyen factores como la dirección del viento, la última vez que llovió, la floración de las algas y las nubes en el cielo. Cuando todos estos factores coincidían, una sesión era posible tal como la había imaginado: visibilidad relativamente clara en el lago y una luz suave y pictórica. A menudo solo podía prever las condiciones con un día de antelación y tenía que planear todo de forma muy espontánea. En mi cuaderno de bocetos anotaba exactamente las composiciones que tenía en mente para comentarlas con mis modelos. Primero ensayábamos todo en tierra y estudiábamos una coreografía. Al principio, entraba al agua desde la orilla con los modelos, pero pronto me di cuenta de que desde un barco era mejor, así que me saqué la licencia de navegación. Además de los modelos, organizaba una embarcación y un equipo, y después de ensayar en tierra, salíamos al lago. Tras revisar los últimos detalles, yo entraba primero al agua para buscar el lugar ideal para las fotos. Una vez lo encontraba, los modelos se metían al agua y todo ocurría muy rápido: todos nadaban a sus posiciones, el patrón empezaba a contar y la coreografía comenzaba. Practiqué apnea especialmente para poder aguantar más tiempo bajo el agua y capturar el momento perfecto en el que los modelos estaban en su posición final. Por razones técnicas solo podía hacer una foto por inmersión - o volvía a casa con una imagen o con nada. El tiempo invertido para una sola foto a menudo era de hasta 9 horas, mientras que los modelos solo podían estar en el agua entre 3 y 5 minutos debido a la temperatura. Después se calentaban inmediatamente a bordo. El carácter pictórico y auténtico también se refuerza con el hecho de que las fotos no fueron editadas. Todas las imágenes salen directamente de la cámara.

La presentación física de las imágenes cambia mucho su impacto. ¿Qué consideraciones hiciste al elegir los formatos, materiales y forma de colgarlas? Siempre trabajo de forma muy conceptual y dejo poco al azar. Planifico todo con precisión de principio a fin. Por eso, para este proyecto era esencial que el mensaje se transmitiera no solo en las fotos, sino también en la impresión y en el montaje. La serie se compone de dos partes: una serie sobre el agua en color y otra bajo el agua en blanco y negro. Por el carácter pictórico de las fotos en color, supe enseguida que debían ser de gran formato y no estar enmarcadas con cristal. La decisión de utilizar marcos tipo caja fue muy intuitiva y rápida. La separación entre la impresión y el marco de madera crea un paralelismo con las pinturas del Renacimiento, y el gran tamaño de hasta 150x100 cm hace que, de cerca, las fotos parezcan verdaderas pinturas. En cada imagen se enfocó una luz puntual desde el centro, lo que les da aún más brillo y un aspecto pictórico. Para las fotos en blanco y negro, quise mantener una conexión con el proceso casi analógico con el que fueron creadas y el largo tiempo de trabajo. Por eso elegí copias baritadas, que son ideales por sus negros profundos. Estas están enmarcadas con passepartout en marcos blancos, para devolver ligereza y espacio a las imágenes más oscuras. La superficie sedosa de las copias recuerda al agua y su gran durabilidad garantiza calidad de museo. Junto con la galerista Franziska Reichel reflexionamos mucho sobre la disposición de las obras. Se aleja mucho de una exposición clásica. Por ejemplo, la gran pared de la última sala sigue una forma de ola, aludiendo a la libertad del agua y al propio elemento. Los distintos tamaños de las imágenes hacen que el montaje parezca ligero y flotante, como las fotos mismas.

WhiteWall produjo la exposición. ¿Cómo fue para ti ver por primera vez tu mundo submarino en impresiones de gran formato? ¿Qué sentiste? Después de tres años de trabajo duro y helado en el lago, fue increíble ver por fin las fotos impresas. Los grandes formatos dan vida a las imágenes y cuanto más tiempo las observo, más me parece ver pinceladas, algo que no notaba tanto en pantalla. Gracias al trabajo preciso de WhiteWall y a los tamaños grandes, las fotos en color parecen realmente pinturas. También las copias baritadas tienen una profundidad y un negro tan intenso que ninguna pantalla puede reproducir. Debo admitir que se me escaparon unas cuantas lágrimas al desenvolverlas y, sobre todo, al verlas colgadas en la pared. Me emociona especialmente cuando, durante las visitas guiadas, la gente se me acerca y me pregunta si realmente no he pintado nada o si he retocado las imágenes. Eso demuestra que el concepto funciona y que hay que pensar todo desde el principio hasta el final para lograr el efecto deseado.

Para quienes fotografían: ¿qué has aprendido de este proyecto intenso sobre la presentación de imágenes y qué aconsejarías a quienes quieren sacar más provecho de sus fotos? Solo puedo repetir lo que ya he dicho: hay que pensar la intención y el mensaje de las fotos de la A a la Z. Desde la primera idea hasta el montaje final. Quien sabe en cada paso por qué hace algo y qué quiere provocar en el espectador, elegirá intuitivamente lo correcto. Pero si se descuida la intención en algún momento, eso será evidente para todos. Por eso, manteneos fieles a vuestro concepto y seguidlo también en la presentación de las imágenes. La impresión correcta determina cómo llega la foto al espectador y si transmite realmente lo que uno quería. Puede reforzar el mensaje y la emoción de la imagen o puede quitarle toda su magia.