Intervista a Ella Mettler

In questa intervista, Ella Mettler spiega perché per lei è così importante sperimentare costantemente nuovi stili, che cosa la ispira e che cosa rappresenta per lei la presentazione stampata delle sue fotografie.

Lavori in proprio da quando avevi 16 anni. Cosa ti ha spinta a intraprendere questa strada in così giovane età?

Non c’è mai stato un momento preciso in cui ho deciso di diventare fotografa. È stato un percorso molto naturale. Da quando ho ricevuto la mia prima macchina fotografica all’età di tre anni, la fotografia è stata una fonte costante di gioia e fascino. Quando, a 16 anni, si è presentata l’opportunità di trasformarla in una carriera, mi è sembrata semplicemente la scelta giusta. Ero curiosa, desiderosa di lavorare in modo creativo ed entusiasta all’idea di costruire qualcosa di mio.

Ciò che mi ha ispirata maggiormente sin dall’inizio è stata l’opportunità di collaborare con così tante persone straordinarie. Quegli incontri e le storie che si celano dietro di essi rimangono ancora oggi una delle parti più gratificanti del mio lavoro.

Il tuo lavoro presenta uno stile visivo molto caratteristico. Come descriveresti il tuo stile in tre parole?

Vivace, colorato e giocoso.

Allo stesso tempo, amo esplorare nuove direzioni visive ed evolvermi continuamente come fotografa. Credo fermamente che non si smetta mai di imparare, e la sperimentazione è ciò che mantiene viva la mia creatività. I colori audaci e il flash diretto sono elementi ricorrenti nel mio lavoro, ma mi piace anche reinterpretare e affinare il mio stile con ogni nuovo progetto.

Nemo – Foto: Ella Mettler

Il colore riveste un ruolo fondamentale nella tua fotografia. In che misura pianifichi consapevolmente le tue tavolozze cromatiche, o si tratta piuttosto di un processo intuitivo?

È un po’ entrambe le cose. Rifletto sul colore in modo molto consapevole, perché ha un impatto molto forte sull’atmosfera e sulle emozioni. Allo stesso tempo, lascio sempre spazio all’intuizione. Le mie tavolozze cromatiche spesso si sviluppano in modo del tutto naturale, guidate dal mio gusto personale o dalla storia che desidero raccontare.

Quando mi occupo non solo della fotografia, ma anche della direzione creativa — dallo styling alla scelta delle location — sono naturalmente attratta da colori audaci e gioiosi, oppure cerco intenzionalmente elementi cromatici unici.

Detto questo, non sono legata a una particolare estetica. Trovo incredibilmente affascinanti anche le immagini minimaliste e sobrie e la fotografia in bianco e nero. Per me, il colore non è semplicemente decorativo, né è indispensabile. È uno strumento creativo che utilizzo ogni volta che serve al meglio la storia, l’atmosfera o il marchio. Spesso, le immagini più incisive nascono quando sono disposta ad andare oltre il mio progetto iniziale.

Stefanie Giesinger – Foto: Ella Mettler | Il plexiglass conferisce al soggetto un effetto particolarmente espressivo. Un’ArtBox nera in alluminio crea un netto contrasto e, con la sua profondità di 75 mm, dona all’immagine un’impressionante presenza spaziale.

Cosa ti ispira maggiormente quando scatti le tue fotografie? È l’ambiente circostante, le persone, i libri, i film o semplicemente la vita quotidiana?

Onestamente, tutto quanto. È proprio questo che amo della fotografia: l’ispirazione è ovunque. Può provenire dai film, dalla musica o dall’arte, ma altrettanto facilmente dall’incontro con nuove persone, dai viaggi, da un paesaggio, da un ristorante, da un profumo particolare o da un momento ordinario della vita quotidiana.

Tutto ciò che vivo, vedo o provo può alla fine diventare il punto di partenza per un’immagine.

Khrystyana – Foto: Ella Mettler

Cosa rende una storia visiva davvero avvincente, specialmente in un mondo saturo di contenuti?

Una storia potente rimane impressa perché suscita un’emozione.

C’è una fotografia che ti è rimasta impressa per la storia che si cela dietro di essa?

Ad essere sincera, non ce n’è solo una. Nel corso degli anni, ho avuto il privilegio di incontrare tantissime persone meravigliose e di immortalare così tanti momenti indimenticabili che innumerevoli fotografie racchiudono per me storie significative. È proprio questo che rende la fotografia così speciale.

Bill Kaulitz – Foto: Ella Mettler

Recentemente hai aperto il tuo studio. Che cosa significa questa tappa fondamentale per il tuo lavoro?

Avere un mio studio significa moltissimo per me. È uno spazio che ho potuto plasmare interamente in base alle mie esigenze creative: per servizi fotografici, sessioni creative, incontri e per entrare in contatto con gli altri. Allo stesso tempo, è un luogo che amo condividere con altri creativi: uno spazio in cui le persone possono riunirsi, scambiarsi idee e collaborare.

È stato un passo incredibilmente importante nel mio percorso e sono molto grata di aver trasformato questo sogno in realtà.

Hai in programma di esporre le tue stampe WhiteWall come opere di grande formato nel tuo studio. Cosa cerchi quando scegli formati, materiali e cornici per il tuo lavoro?

Per me, la cosa più importante è stata scegliere un’immagine che so che amerò ancora tra molti anni: qualcosa che mi piacerà sinceramente guardare ogni singolo giorno. Ho scelto una fotografia che ho scattato a Los Angeles con Jake Flemming davanti a un 7-Eleven.

Per quanto riguarda la presentazione, sono attratta da un’estetica pulita e senza tempo. Ecco perché ho scelto una cornice bianca di grandi dimensioni: si abbina perfettamente al mio lavoro, mantenendo l’attenzione interamente sull’immagine stessa.

Jake Flemming – Foto: Ella Mettler | La cornice con effetto ombra Basilea fa sembrare che il soggetto fluttui nell’aria. In combinazione con la stampa fotografica lucida su alluminio Dibond, i colori intensi risaltano al meglio.

Che ruolo riveste per te la stampa cartacea nell’era della fotografia digitale?

Un ruolo molto importante. Su uno schermo, spesso guardiamo le immagini solo per pochi secondi. Una stampa quasi ci costringe a rallentare e a guardare davvero. Per me, la stampa conferisce a una fotografia un significato ancora maggiore. Diventa tangibile e trova un posto permanente nel mondo.

Com’è stata la tua esperienza con WhiteWall? Cosa ti ha colpita di più in termini di qualità o di processo nel suo complesso?

Ciò che mi ha colpita di più è stata la coerenza. Soprattutto con immagini ricche di colori, è incredibilmente importante che i colori, il contrasto e i dettagli più fini vengano riprodotti con precisione. Allo stesso tempo, l’intero processo di ordinazione è stato fluido e professionale. Quando la presentazione è importante quanto lo è per me, quel livello di affidabilità è inestimabile.

Riley Rodriguez – Foto: Ella Mettler | Un passepartout bianco conferisce spazio al soggetto, mentre la stampa Fine Art Print su Hahnemühle Photo Silk Baryta X esalta i dettagli e le sfumature cromatiche. Nella cornice magnetica amovibile, inoltre, il soggetto può essere sostituito con estrema facilità.