Entrevista al fotógrafo de arquitectura Dan Alka

¿Puedes contarnos un poco sobre cómo te convertiste en fotógrafo? 

Me convertí en fotógrafo antes de sostener una cámara. Primero vino la visión ‒ atención, curiosidad, el hábito de mirar dos veces. La cámara llegó después, como extensión de ese hábito, una manera de capturar lo visible mientras lo invisible dejaba su huella. Lo que me atrae no es solo la danza de la luz, sino la emoción suspendida en el espacio que la rodea, los restos de la memoria, el silencio entre gestos ‒ las partes de la realidad que no se anuncian pero que insisten en ser sentidas. 

Crecí en Ostrava, una ciudad industrial en Chequia ‒ una vez uno de los centros de carbón y acero más importantes de Europa. Mis “parques de juego” favoritos no eran parques ni campos deportivos, sino las fábricas abandonadas de la ciudad. Para la mayoría, estos terrenos industriales eran cicatrices en el paisaje urbano; para mí, eran esculturas entrelazadas ‒ redes de acero y luz parpadeante, donde el óxido, la geometría y la sombra hablaban su propio idioma. 

Vagaba por sus corredores silenciosos, siguiendo pintura descascarada, escaleras oxidadas, pisos colapsados, cables colgantes y ladrillos sueltos. Un paso en falso podía levantar asbestos de paredes o techos ocultos, así que moverse por estos lugares me enseñó que la atención al detalle es una forma de ver. 

Volvía una y otra vez para observar sus formas en evolución, detalles intrincados y texturas crudas. Cada fragmento parecía encender una nueva idea, una nueva manera de ver. Grietas, óxido y metal retorcido no eran solo decadencia ‒ eran catalizadores de creatividad, invitaciones a trazar nuevas líneas, descubrir patrones ocultos y detenerse en la interacción entre estructura y luz. 

Cuando tomé por primera vez una cámara, me sentí atraído por la arquitectura ‒ no solo como sujeto, sino como un medio para explorar el espacio entre lo que entendemos como realidad y lo que existe más allá de nuestras percepciones. Al principio, deambulaba por estos edificios abandonados, observando sus formas y texturas, dejando que estimularan mi imaginación. Pero pronto entendí que solo la cámara podía preservar y traducir estas impresiones fugaces, dando a estas estructuras silenciosas una segunda vida en fotografías. 

De esa insistencia temprana por observar cada detalle, surgió mi principio guía: “Ningún detalle es demasiado pequeño.” Hoy, ya sea capturando las líneas nítidas de la arquitectura ultramoderna o la poesía efímera de la luz sobre el concreto, llevo conmigo esa lección: revelar historias ocultas y texturas sutiles que hacen que cada espacio sea inolvidable. 

¿Cómo te inspiras? ¿Y qué te inspira más? ¿Películas, libros o revistas? ¿O lo que te rodea? 

Foto: Dan Alka - La copia fotográfica sobre aluminio Dibond está enmarcada en una ArtBox de aluminio dorado. Desde delante, el marco resulta discreto y recoge los tonos cálidos del motivo. Al mismo tiempo, la profundidad de la ArtBox confiere a la imagen una presencia escultórica.

No creo que la inspiración sea algo que haya que perseguir. Ya está en todas partes ‒ tejida en la curva de una sombra, en la textura de una pared, en cómo la luz cae sobre un rostro que has visto mil veces. El desafío no es encontrarla, sino elegir notarla, darle tu plena atención. Ahí es donde está la diferencia entre mirar y ver: mirar es pasivo, ver es un acto de intención. En el momento en que realmente ves, el mundo ordinario se transforma en una fuente infinita de enriquecimiento y asombro. 

La Gran Ola de Kanagawa ‒ la legendaria estampa de Hokusai, quizás la imagen más reproducida en la historia del arte ‒ se convirtió en la corriente subyacente silenciosa en mi fotografía de lo que probablemente es el edificio más fotografiado de Suiza. Esa ola me ha perseguido desde que vi el original por primera vez en un museo. 

Tu trabajo se caracteriza por un enfoque claro en la arquitectura moderna. ¿Podrías contarnos más sobre tu estilo fotográfico y cómo ha evolucionado con los años? 

La arquitectura, especialmente las estructuras modernas, es mi punto de partida, pero no mi destino. Para mí, la fotografía no trata de capturar lo que es ‒ trata de revelar lo que más podría ser. 

Con el tiempo, he comprendido que el verdadero crecimiento en mi trabajo no ha sido técnico ‒ ha sido filosófico. 

Minor White dijo una vez: “No solo fotografíes lo que es, sino lo que más podría ser.” Este principio guía mi trabajo: no uso mi cámara como una simple copiadora o escáner de la realidad ‒ su propósito es ser una ventana a lo que imagino, siento y visualizo. 

Lao Tzu escribió hace 2.500 años: “Los cinco colores ciegan el ojo.” Limitar el mundo a categorías fijas ‒ lo que es bello, digno o fotogénico ‒ atenua la percepción. Gran parte de mi crecimiento ha venido de soltar los clichés visuales y las reglas rígidas, permitiendo que emerjan las texturas ocultas, las sombras y los ritmos del mundo. 

La arquitectura me da estructura, ritmo y forma, pero la imaginación guía mi lente. A veces distorsiono, duplico o abstraigo ‒ no para manipular la realidad, sino para expandirla. A través de estas técnicas, elimino lo obvio y revelo lo invisible, explorando espacios liminales donde la percepción cambia y las formas familiares muestran matices inesperados. 

Para mí, la fotografía es una expresión de la imaginación ‒ una manera de comunicar no solo el mundo físico, sino emociones, pensamientos e ideas abstractas. Los edificios no son estáticos; son conversaciones entre luz, espacio y tiempo. 

Mi misión es ver ‒ y ayudar a otros a ver ‒ no solo lo que es, sino lo que podría ser. 

Ya has capturado muchas fotos arquitectónicas impresionantes. ¿Hay un momento particular en tu trayectoria fotográfica que haya sido especialmente formativo para ti? 

Foto: Dan Alka - Aquí, la impresión fotográfica se ha laminado sobre aluminio Dibond cepillado, de modo que las zonas claras y blancas de la imagen brillan con un efecto metálico, lo que resalta de forma impresionante la estructura y la materialidad de la fachada.

El primer momento ocurrió en mi infancia en Ostrava, una ciudad entonces cubierta de fachadas grises, fábricas derrumbadas e incluso nieve negra por la intensa contaminación. El mundo a mi alrededor era pesado, sofocante y visualmente insensible. Luego, un día, aparecieron los carteles de Benetton de Oliviero Toscani. Fue como una explosión en mi cabeza: fondos blancos deslumbrantes atravesados por imágenes con más poder que las palabras: una mujer negra amamantando a un bebé blanco, un sacerdote besando a una monja, un recién nacido aún unido a su cordón umbilical, tres corazones humanos etiquetados blanco, negro, amarillo, o retratos de presos en el corredor de la muerte ‒ me impactaron profundamente. 

Igualmente fascinantes fueron las reacciones de las personas a mi alrededor. Recuerdo la indignación de mi abuela, su fe conservadora chocando con imágenes que no podía soportar mirar. Fue entonces cuando comprendí que la fotografía podía provocar tanto como iluminar ‒ podía romper el silencio, cuestionar y encender el diálogo. 

El segundo momento llegó años después, cuando la fotografía casi había desaparecido de mi vida. Trabajaba como consultor de TI en Alemania cuando asistí a una de las conferencias de Toscani. Tras su charla, me acerqué, le conté lo que sus imágenes significaron para mí cuando niño, y le mostré algunas de mis propias fotos. Para mi sorpresa, no solo le gustaron ‒ me invitó a su estudio en Toscana. 

Lo que iba a ser un fin de semana se convirtió en tres años de colaboración a su lado, inmerso en su estudio, absorbiendo su forma de ver y cuestionar. Esos años no solo me devolvieron a la fotografía ‒ reconfiguraron mi manera de entenderla: no solo como imágenes, sino como conversaciones con el mundo. 

La fotografía arquitectónica requiere mucha paciencia y un buen sentido del ángulo correcto. ¿Cómo planificas una sesión para capturar la imagen perfecta? 

Foto: Dan Alka - Los motivos arquitectónicos de aspecto abstracto ganan profundidad gracias al metacrilato mate y muestran colores claros con reflejos reducidos. El marco negro Hamburgo establece un límite óptico claro y concentra la mirada.

“Mi fotografía comienza mucho antes de llegar al lugar.”

“Me preparo meticulosamente, pero siempre dejo espacio para el azar.”

Antes de viajar, bosquejo ideas y estudio mapas, libros y vistas aéreas de la ciudad. Una vez allí, me sumerjo completamente ‒ recorriendo calles de día y de noche, subiendo torres para perspectivas aéreas, entrando en interiores ocultos y escuchando a los locales para entender cómo se siente realmente vivir allí. 

Cuando descubro un lugar que merece ser capturado, vuelvo una y otra vez, observando cómo la luz y el clima transforman su carácter. Aunque soy impaciente por naturaleza, puedo esperar días en el mismo punto, confiando en la experiencia de que el momento adecuado llegará. Podcasts y audiolibros me acompañan, haciendo que largas horas de espera sean soportables ‒ incluso placenteras. Mi atención verdadera está en ese momento decisivo ‒ la convergencia única de visión, luz y composición. 

Para mí, la fotografía siempre es un diálogo entre preparación y espontaneidad: saber lo que espero ver, pero mantenerme abierto a lo inesperado. Las imágenes más cautivadoras a menudo nacen de la tensión entre intención y serendipia ‒ pero no es la única vía. Un enfoque alternativo lo llamo “Momento Compuesto”. 

El concepto de Henri Cartier-Bresson, de hace más de 70 años, del “momento decisivo” es una de las ideas más famosas de la fotografía. Describe el instante fugaz en que la vida se alinea espontáneamente ‒ gesto, composición y significado convergen perfectamente ‒ haciendo que la fotografía se sienta inevitable y viva. Alcanzarlo requiere paciencia, observación e intuición. El momento decisivo se descubre, no se crea; el fotógrafo espera a que la realidad se acomode antes de presionar el obturador.

A veces se deben tomar rutas no convencionales para encontrar el sujeto adecuado. ¿Podrías compartir un desafío particular que hayas tenido que superar durante una sesión de fotografía arquitectónica? 

Foto: Dan Alka

Uno de los mayores desafíos en la fotografía arquitectónica hoy en día no es el clima, la iluminación ni los aspectos técnicos ‒ es la confianza. Un trípode puede generar más sospechas que simpatía. Guardias, residentes e incluso transeúntes suelen asumir que tienes una agenda más allá del arte. 

Recuerdo especialmente dos ciudades donde obtener permiso fotográfico con anticipación fue un proceso lento y complicado. En Estambul, cuando fui sin permiso, una unidad completamente armada me recordó rápidamente que no estaba autorizado a usar mi cámara allí. En Londres ‒ la capital global de la vigilancia, con su vasta red de cámaras CCTV ‒ la “Thought Police” me encontró más rápido de lo que yo podía encontrar el lugar adecuado para colocar mi trípode. 

Con los años aprendí a manejar esa tensión, mejorando en mostrar a las personas que no estaba “tomando” algo, sino ofreciendo algo a cambio: una imagen, una perspectiva, un recordatorio de que la arquitectura no es solo cemento y vidrio, sino un documento social. Estos edificios forman parte de nuestra memoria colectiva, y sus formas reflejan los ideales y ambiciones de las épocas en que fueron creados. 

Según tu perspectiva, ¿cuáles son los errores más grandes que cometen los principiantes en fotografía arquitectónica? ¿Qué consejos das para evitarlos?

Los principiantes a menudo se apresuran y se enfocan demasiado en el equipo, descuidando una de las herramientas más valiosas: la paciencia, que permite que una escena —o un momento— se revele. Observa tu entorno con la curiosidad de un niño; no solo veas, realmente observa. Pregúntate por qué haces fotografías y qué esperas compartir —la mera destreza técnica no hará que resuenen. La obsesión, la presencia y la curiosidad son lo que transforma una foto de correcta a inolvidable. 

Ya has trabajado con WhiteWall para imprimir algunas de tus obras en gran formato. ¿Cómo fue tu experiencia con la calidad y la presentación de tu trabajo en WhiteWall? 

Descubrí WhiteWall hace años, mientras trabajaba en Alemania, y rápidamente lo vi como una de las opciones más confiables y profesionales para la impresión fine art. Con el tiempo, he probado muchos estudios de impresión en Europa y más allá, pero todavía no he encontrado otro que iguale el equilibrio de WhiteWall entre calidad sin concesiones y servicio atento. 

Lo que me impresionó desde el principio no fue solo la excelencia técnica de las impresiones, sino también su compromiso de hacer que procesos complejos se sientan simples, ofrecer una amplia gama de materiales y asegurar que la experiencia de ordenar obras de gran formato sea precisa y sin estrés. 

Igualmente importante ha sido el aspecto humano: WhiteWall siempre se ha tomado el tiempo de responder preguntas con cuidado y claridad. Quiero agradecer especialmente a Amanda y Maxine de los equipos de Miami y Nueva York, cuyo apoyo ha sido constantemente atento y genuinamente útil durante todas mis colaboraciones. 

Recientemente pedí cuatro impresiones de gran formato, y no podría estar más satisfecho con los resultados. Cada pieza muestra cómo el enfoque correcto de impresión puede liberar el potencial completo de una fotografía —realzando su presencia, amplificando su atmósfera y convirtiéndola en algo que realmente llena un espacio. Cada obra fue impresa usando una técnica y material diferente, elegidos para reflejar mejor el ambiente y carácter de la imagen. Puedes seleccionar fácilmente materiales y técnicas para cada fotografía directamente en el sitio de WhiteWall antes de imprimir. Si estás en Praga, ven a verlas en vivo en el increíble Showroom Fiala. 

Para impresiones de gran formato, los detalles y la nitidez son cruciales. ¿Qué aspectos son más importantes para ti al preparar una imagen para una impresión tan grande? 

Foto: Dan Alka

Cuando preparo una imagen para una impresión de gran formato, pienso más allá de los píxeles y la precisión técnica. Para mí, comienza con una pregunta más fundamental: ¿qué escala merece realmente esta imagen? Más grande no siempre significa mejor. ¿La Mona Lisa (77 x 53 cm) o la Muchacha con el pendiente de perla (44 x 39 cm) mantendrían su silencioso poder si se agrandaran? Y a la inversa, ¿Guernica (349 x 777 cm) o La ronda de noche (380 x 454 cm) mantendrían su fuerza si se redujeran? 

A veces, una escala más pequeña aporta intimidad, mientras que otras, una impresión monumental amplifica la presencia y transforma la manera en que se experimenta. A menudo me inspiro en la pintura: el arte siempre ha mostrado cómo la escala y la composición moldean la percepción, mucho antes de la invención de la fotografía. Como esos maestros, considero cuidadosamente cómo se mueve el ojo del espectador, cómo interactúan presencia y vacío, y cómo los detalles solo se revelan cuando la obra se experimenta completamente. 

La claridad importa, por supuesto, pero la sola escala nunca hace que una imagen sea poderosa. El tamaño adecuado permite que el sujeto, la composición y la historia resuenen plenamente, transformando una fotografía en una experiencia inmersiva, casi cinematográfica. Para mí, la impresión en gran formato no se trata de perfección técnica, sino de traducir narrativa, atmósfera y emoción en un espacio que el espectador pueda habitar verdaderamente. 

¿Tienes algún consejo especial para fotógrafos que quieran imprimir sus tomas arquitectónicas en gran formato, asegurando que los detalles se capturen de manera clara y precisa? 

En su sitio hay un artículo excelente ‒ “4 Steps to Large-Format Lamination” de Jan-Ole Schmidt ‒ que explica muy bien las consideraciones técnicas. Pero me gustaría ofrecer un consejo diferente ‒ algo más efímero, pero igualmente esencial. 

Como dijo Ansel Adams: “No hay nada peor que una imagen nítida de un concepto borroso.”  Muchas fotografías arquitectónicas técnicamente perfectas ‒ nítidas y correctamente expuestas ‒ pueden sentirse estériles si carecen de resonancia emocional. La nitidez por sí sola no hace que una imagen sea cautivadora. Por el contrario, una foto ligeramente imperfecta puede capturar, emocionar o generar narrativa a través del ambiente, movimiento o misterio. 

Por ejemplo, la serie de Arquitectura de Hiroshi Sugimoto. Sus representaciones borrosas de edificios icónicos no buscan documentar cada detalle, sino evocar. A través de la suavidad intencional, Sugimoto destila la arquitectura a su esencia: forma, memoria y atmósfera. El resultado es atemporal, onírico y profundamente contemplativo. A menudo recordamos los edificios no por líneas cristalinas, sino como impresiones ‒ momentos de luz, sombra y sentimiento. 

Así que sí ‒ elige la lente adecuada, dispara en RAW, usa ISO base, mantén la cámara estable, ajusta cuidadosamente apertura y velocidad, corrige la perspectiva y aprovecha herramientas como lentes tilt-shift o técnicas como focus stacking, HDR o bracketing según sea necesario ‒ junto con todos los demás cálculos silenciosos para lograrlo bien. 

Familiarízate con el post-procesamiento en software como Photoshop ‒ o alternativas igual de potentes (y gratuitas) como Photopea.com, creada desde cero por mi brillante amigo Ivan Kutskir ‒ un logro increíble considerando que Photoshop es desarrollado por un gran equipo de aproximadamente 100 personas. 

Pero no pierdas tu voz como artista. Pregúntate: ¿Qué historia estoy contando? ¿Qué sensación quiero dejar? Porque al final, una fotografía que permanece en la memoria de alguien tiene más que ver con su alma que con su nitidez. La perfección técnica es una herramienta, no el objetivo. Tu público no recordará el ruido o el ligero desenfoque; recordará cómo la imagen los hizo sentir. 

¿Qué más deberíamos saber sobre ti?  

Foto: Dan Alka

Trabajo a diario en mi proyecto web y multimedia INSTATRIO.com, que presenta una colección cuidadosamente curada de las mejores fotografías, videos, audios, textos y un mapa interactivo. Aunque todavía en fase beta, INSTATRIO.com ya muestra cientos de lugares MUST-SEE en todo el mundo y sirve como herramienta rápida y práctica para descubrir y planear visitas a destinos inolvidables. INSTATRIO.com ayuda a buscar menos ofreciendo una colección curada de lugares imperdibles, permitiéndote descubrir más sin esfuerzo. 

El lema del proyecto es: “SEARCH LESS, DISCOVER MORE.” Como obra en curso, continúo añadiendo nuevos lugares y enriqueciendo el contenido. 

En el futuro, planeo expandir INSTATRIO.com hacia una plataforma colaborativa, invitando a fotógrafos y videógrafos fine art seleccionados de todo el mundo a contribuir. 

Sigue mi perfil de Instagram @danalka_com para actualizaciones y noticias sobre el desarrollo del proyecto.